Tanz der Vampire Dernière 28.6.2018, Ronacher

Aktion gemäß der Instruktion

Auch bei der diesjährigen Tanz der Vampire-Dernière im Ronacher am 28.6.2018 konnte man im Vorfeld wieder die langwierige und aufreibende Diskussion mitverfolgen, welche Fan-Aktionen von den VBW genehmigt werden würden und welche nicht. Schlussendlich konnte man sich wieder auf ein annehmbares Minimum einigen, das zumindest einen Teil der Fans zufrieden gestellt hat. Aber wie schon bei der letzten Wiener Tanz der Vampire-Dernière am 25.6.2011 wurden nicht nur die Entscheidungen der VBW die Fan-Aktionen betreffend mit großer Spannung erwartet, sondern auch, welche kreativen Einfälle das Produktions-Team bzw. die Künstlerinnen und Künstler selbst in die letzte Show einbringen würden.

Mein heutiger Bericht konzentriert sich vorrangig auf die außertourlichen Ereignisse der gestrigen Dernière, sowie auf Fan- und Cast-Mitglieder - Aktionen, und nicht auf die gesangliche und schauspielerische Leistung der letztgenannten. Wer mehr über Drew Sarichs und/oder Thomas Borcherts Oeuvres dieser Spielzeit lesen möchte, der möge bitte den entsprechenden Links folgen.

1.Akt

Die erste Fan-Aktion des gestrigen Abends war der noch etwas zaghafte Versuch des Publikums sich bereits in der ersten Szene der Show einzubringen und Raphael Groß (Alfred) mit einem zwischengerufenen "Doch, wir!" davon zu überzeugen, dass er falsch liegt in der – vom Skript vorgegebenen – Annahme, dass niemand Alfred vermissen würde. Leider konnte diese Aktion keinen besonderen Effekt erzielen, da diese Sequenz des Musicals zu straff orchestriert ist und keinen Raum für akustische Publikumsbeteiligung lässt, weshalb der Zwischenruf etwas untergegangen ist.

Wesentlich besser hat die Unterstützung des Publikums in der Szene geklappt, in der Professor Abronsius (Sebastian Brandmeir) Chagals (Nicolas Tenerani) Herz durchstechen will und Alfred das Wort "Rippe" nicht einfällt. Wie schon bei der letzten Tanz der Vampire-Dernière im Ronacher wurde hier von der Zuhörerschaft das gesuchte Wort kollektiv und klar verständlich zwischengerufen, was den Professor dazu veranlasst hat, seinen Assistenten mit abschätzigem Blick und energischer Handbewegung Richtung Publikumsraum darauf hinzuweisen, dass selbst uns das Wort einfällt, während Alfred noch immer verzweifelt danach sucht.

Das Highlight des 1. Akts bildete ohne Zweifel die von den VBW offiziell genehmigte Fan-Aktion, bei der sich das Publikum beim Gebet mit LED-Teelichtern an der malerischen Szene beteiligen durfte, was bei diesem Lied sowohl unter den Zuschauerinnen und Zuschauern als auch auf der Bühne für unbeschreibliche Emotionen gesorgt hat. Diana Schnierer (Sarah) war es deutlich anzusehen, dass es ihr eine Menge abverlangte, sich von dem mit flackerndem Kerzenlicht beleuchteten Publikumsraum nicht zu einer echten Gefühlsregung hinreißen zu lassen – was perfekt zu dieser Szene gepasst hat, in der ihre Figur ohnehin mit einigen widersprüchlichen Emotionen zu kämpfen hat.

Das Zusammenspiel aller Darstellerinnen und Darsteller war gestern emotional intensiver, wobei sich hier besonders Dawn Bullock (Rebecca) und Nicolas Tenerani hervorgetan haben, die sich entgegen der Angabe im Tanz der Vampire-Skript vor Chagals Aufbruch Richtung Grafenschloss auf Chagals Initiative hin innig umarmt haben.

Neben emotionalen i-Tüpfelchen gab es im 1. Akt auch das einzige (von mir bemerkte) "Hoppala" des gestrigen Abends: Drew Sarich (von Krolock) hatte wohl bei Vor dem Schloss die Visitenkarte des Professors nicht gut genug in seinem Ärmel verstaut; jedenfalls ist diese in einem rhythmisch perfekt abgepassten Moment bei einer schwungvollen Linksdrehung hinausgeflogen – was den erfahrenen Grafen, der diese Sache möglicherweise genau so geplant hatte, überhaupt nicht gekümmert hat.

2. Akt
Der ungewöhnliche 2. Akt wurde eingeleitet von Sebastian Brandmeir, der sein im Schlaf für gewöhnlich wortloses, aber geräuschvolles Luftholen (das jedes Mal den Beginn von Carpe Noctem markiert) mit einem Wort garnierte, das niemand so recht verstehen konnte. Viele Fans glauben "Mark Seibert" gehört zu haben, während andere auf "Magda", "Mahlzeit" oder "Meuterei" beharren. Die Vorstellung, etwas völlig Anderes als die Sitznachbarin bzw. der Sitznachbar verstanden zu haben, macht diese Sequenz rückblickend nur umso komischer.

Das Highlight des 2. Akts bestand darin, dass man sich dazu entschieden hatte, am letzten Abend bei vielen Ensembleszenen alle regulären Darstellerinnen und Darsteller plus Swings einzusetzen, was dem Tanz der Vampire-Fan einen beeindruckenden Unterschied zu den regulären Shows vor Augen geführt hat: Bei Ewigkeit, Tanzsaal und Finale haben statt 15-20 Vampiren erstmals über 30 Vampire zugleich auf der Bühne agiert!
Im Fall von Ewigkeit bedeutete dies, dass in den Gräberreihen auf der Bühne in der zweiten Hälfte des Liedes nicht wie gewöhnlich jeweils nur zwei weitere Vampire aus den Gräbern auftauchten, sondern jeweils doppelt so viele; während bei Tanzsaal von allen ausgehungerten Vampiren ein viel größerer und zugleich dichterer Kreis um den Graf und Sarah gebildet wurde. Die immens respekteinflößende Wirkung, die diese Ensemblenummern schon bei normalen Vorstellungen haben, wurde durch den Einsatz aller Ensemblemitglieder bei der Dernière noch um ein Vielfaches verstärkt und hat zu einigen der intensivsten Gänsehautmomenten dieser Spielzeit geführt.

Bei Tanzsaal lenkte gestern auch noch eine zusätzliche Vampir-Aktion das Augenmerk auf die Vielzahl der Künstlerinnen und Künstler auf der Bühne: Als Herbert (Charles Kreische) den Untertanen Krolocks wie immer durch Händeklatschen das Zeichen zum Tanzbeginn geben wollte, haben ihn alle Ensemble-Vampire mit präzisem und perfekt choreographiertem Klatschen ihrerseits dabei unterstützt.

Ein kleines Detail derselben Szene hat wohl die Herzen vieler Besucherinnen und Besucher höher schlagen lassen: Bevor Drew Sarich Diana Schnierer in den Hals gebissen hat, hat er sie zärtlich – wie um sich von ihr zu verabschieden – auf den Mundwinkel geküsst.

Eine erwähnenswerte Publikumsbeteiligung im weiteren Sinne war der enthusiastische, um nicht zu sagen, ekstatische Jubel und Applaus nach jedem Lied bzw. nach jeder außergewöhnlichen Aktion der Darstellerinnen und Darsteller – ohrenbetäubender Applaus, der oftmals sogar die Musik, die für gewöhnlich Szenenübergänge untermalt (z.B. nach Carpe Noctem) übertönt, und nach Ewigkeit die Vampire, die durch die Gänge hinausgehen, sogar von der Bühne bis zum Ausgang begleitet hat. 

Die ersten Standing Ovations gab es im 2. Akt bereits vereinzelt nach Ewigkeit, und nach der Unstillbaren Gier erhob sich der Großteil des Parkett-Publikums von den Sitzen. Spätestens beim Finale gab es auch für alle restlichen Besucherinnen und Besucher kein Halten mehr: Der gesamte finale Auftritt der Ronacher-Vampire wurde von den Fans mit Gesang, Klatschen, Jubel und Standing Ovations geehrt.

Ich hatte den gesamten Abend den Eindruck nur von passionierten Musicalfans und Familienmitgliedern und Freunden der Cast-Mitglieder, die alle genau wussten, was sich bei dieser außergewöhnlichen Veranstaltung gehört, umgeben zu sein – wozu wohl der, dieses Jahr durch eine Verlosung relativ elegant gelöste, exklusive Dernière-Kartenverkauf für Mitglieder des VBW-Musicalclubs geführt hat.

Schlussapplaus

Hier zwei Fotos vom Schlussapplaus aus der dritten Reihe:

Oben ganz vorne: Florian Resetarits, Charles Kreische, Nicolas Tenerani, Raphael Groß
Unten: Drew Sarich, Diana Schnierer, Sebastian Brandmeir, Marle Martens

Mit auf die Bühne durfte beim letzten Schlussapplaus auch Florian Fetterle, der sein Hauptengagement derzeit bei I am from Austria im Raimund Theater hat, aber im Ronacher mehrmals pro Monat als Walk-in-Cover vom Graf von Krolock tätig war; und unkostümiert in hellblauem Hemd und beiger Hose gestern recht unbekümmert einen lustigen Kontrast zu all den schwarz gekleideten Vampiren bildete.

Am Tag danach sind nun einige Fotos und sogar kurze Videoausschnitte von einigen Highlights der gestrigen Dernière aufgetaucht, von denen jetzt ein Großteil auf den Facebook-Pages und in den Instagram-Stories der meisten Darstellerinnen und Darsteller kursiert. Wer sich allerdings die richtig guten (Schlussapplaus-) Fotos anschauen will, dem empfehle ich im Lauf der nächsten Tage bei Diane Bauer-Photos auf Facebook vorbeizuschauen.

Hier ein Video vom Schlussapplaus aus der zehnten Reihe:

Nach dem Schlussapplaus
Da es den Fans wie schon bei der letzten Tanz der Vampire-Dernière nach dem Schlussapplaus untersagt war, ihr eigens für dieses Event kreierte Abschiedslied im Saal zu singen, sind viele von ihnen auf die verregnete Straße vor der Bühnentür ausgewichen und haben (wie schon 2011) einfach so lange gesungen, bis sich die Hauptdarstellerinnen und Hauptdarsteller (Diana Schnierer, Dawn Bullock, Raphael Groß, Sebastian Brandmeir, Drew Sarich, Nicolas Tenerani, Florian Resetarits, Charles Kreische) kurzzeitig von der Dernièren-Party im Ronacher absentiert und sich sehr enthusiastisch im Namen aller Cast-Mitglieder bei ihren Hardcore-Fans bedankt haben.
Die Erklärung der VBW warum eine musikalische Fan-Aktion nicht im Theater stattfinden darf, klang schon bei der letzten Tanz der Vampire-Dernière ein wenig müde: "die Show läuft nach einem engen Zeitplan ab, da ist keine Zeit für sowas". Warum eine musikalische Würdigung aller Mitwirkender durch die Fans im Theater bei den Dernièren einiger Musicals verboten ist (z.B. Tanz der Vampire), während sie bei den letzten Vorstellungen anderer Musicals absolut kein Problem darstellt (z.B. Elisabeth), ist eines der viel hinterfragten und bis heute ungelösten Rätsel des VBW-Dernière-Managements.

Hier der Text des umgedichteten Eine schöne Tochter ist ein Segen-Liedes, dessen Präsentation den Fans trotz des herausfordernden Rhythmus' sehr gut gelungen ist, und alle Cast-Mitglieder, die es sich angehört haben, sichtlich begeistert hat:

In diesem Sinne:

Glück und Segen auf Euren Wegen. Tschüss und Baba!

Es war eine ereignisreiche, unvergessliche Tanz der Vampire-Jubiläums-Spielzeit in Wien und wir freuen uns schon auf die nächste. Carpe Noctem!

#tdv20viennathiswasus

Bat out of Hell - The Musical II. Pro & Contra, Dominion Theatre, London

WAS FUNKTIONIERT & WAS NICHT FUNKTIONIERT

Für Erklärungen von Namen, Inhalt und Themen s. Handlung, Vorlage, Sprache, Themen

Theater, Bühne, Kulissen & Licht

Das Dominion Theatre ist eine fantastische Location für das Bat out of Hell-Musical: mit seiner ungewohnt breiten Bühne bietet es genug Raum für die Erschaffung einer sehr detailreichen Welt. Da der Zuschauerraum des Theaters an seinem breitesten Punkt allerdings noch breiter als die Bühne selbst ist, laufen alle Zuschauerinnen und Zuschauer, die am Rand sitzen, bei jedem Musical Gefahr, ständig Requisiten im Blickfeld zu haben (vor allem je weiter vorne man sitzt).
Bei Bat out of Hell wurde für dieses Problem eine elegante Lösung bzw. Verbesserung gefunden: die Hauptaction auf der Bühne findet auf einem (von oben gesehen) auf der Spitze stehenden Quadrat statt. Die linke vordere Ecke der Bühne (wo sich der Mini-Pool befindet) wird nur selten genutzt und die rechte vordere Ecke beherbergt den Dirigenten, der von dort aus sowohl einen Blick auf die Bühne als auch auf das Orchester unter der Bühne hat.  Was auf der rechten hinteren Bühnenseite (Falcos Wolkenkratzer) passiert, wird in vielen Szenen live mitgefilmt und gekonnt auf die Kulisse der linken hinteren Bühnenhälfte (The Deep End) projiziert, wenn diese gerade nicht verwendet wird – und genauso vice versa.
Die Bühnenbilder sind statisch, und obwohl sowohl das Deep End als auch der Wolkenkratzer nie ganz verschwinden, so gelingen trotzdem alle Szenenwechsel sehr überzeugend mithilfe von eingeschobenen Wänden und Kulissen und dem Auftauchen der Rockband, die im Deep End oftmals live auf der Bühne spielt.

Am beeindruckendsten ist in Bat out of Hell mit Abstand die Szene in der Strat während dem Titellied spektakulär mit dem Motorrad verunglückt, was schon am Ende des 1. Akts für Standing Ovations sorgt. Man kann sich einen Motorradunfall auf einer Musicalbühne mit der ikonischen Musik von Jim Steinman ausmalen wie detailreich auch immer und so oft man will, aber man wird sich niemals den überwältigenden Anblick ausmalen können, den man hier im Dominion Theatre in dieser dramatischen Szene geboten bekommt.

Aufgrund des Einsatzes von verschiedenen Beleuchtungskörpern, die zeitweise in den Publikumsraum gerichtet sind, hat man bei vielen imposanten Szenen (All revved up, Bat out of Hell, I'd do anything for love) den Eindruck, dass man sich nicht nur aufgrund der Musik auf einem Rockkonzert befindet. Dazu trägt auch noch die Tatsache bei, dass Strat und Falco oftmals normale Mikrofone benutzen und diese während der Performance an deren Kabeln um ihre eigenen Köpfe herumwirbeln, was bei mir jedes Mal für Angst um die Augen und Zähne der Hauptdarsteller gesorgt hat, allerdings auch wahrhaftig sehr „cool“ aussieht.

Choreografie des Tanzensembles

Ein Tanzensemble ist meiner Ansicht nach etwas, das für ein Musical mit so starkem Rockkonzert-Charakter großteils überflüssig ist – und leider ist die Choreografie von Bat out of Hell wirklich der stärkste Kritikpunkt: sie ist meiner Meinung nach einfach „ergänzt“ und nicht in das Musical integriert worden. Bei nur sehr wenigen Liedern ist sie passend zur Thematik der Szene gestaltet worden (z.B. bei Bat out of Hell), während die – nichts mit der erzählten Story zu tun habende – Choreografie in anderen Szenen einfach nur deshalb funktioniert, weil sie sehr beschwingte Lieder untermalt, wie z.B. bei Out of the frying pan and into the fire, You took the words right out of my mouth und Dead ringer for love.

Aber in vielen Szenen ist sie leider so unpassend wie ein Zirkuszelt auf einem Friedhof, und bewegt sich auf einer Skala von „vollkommen unnötig“ (Objects in the rear view mirror) bis zu „was zum Henker hat diese Choreo mit dem Lied zu tun?“ (Paradise by the Dashboard light).
Auch wenn die Choreografie des Tanzensembles bei Objects in the rear view mirror zum Glück erst bei der dritten Strophe einsetzt, so ist sie dort immer noch ablenkend genug. Diese Rockballade lebt alleine durch die Ausdruckskraft der Musik und des Sängers; und die Vermittlung der Geschichte und die melancholische Stimmung der ganzen Szene wird hier von einem zusätzlichen Element nur verdorben.
Bei Paradise by the Dashboard light hatte ich mir erhofft, dass man den beiden Protagonisten „trotz“ des schwungvollen Songs zutraut, auch nur zu zweit für genug visuelle Action sorgen zu können – was Sloane und Falco durchaus auch schaffen. Leider haben das die Choreographen nicht gesehen und dem Ensemble hier eine der Szenen-fremdesten Choreografien verpasst, die man sich nur vorstellen kann.
Sehr schade um die viele Arbeit und all die großartigen Tänzerinnen und Tänzer, die bei dieser – diese Produktion überhaupt nicht komplimentierenden – Choreografie mitwirken.

Beziehungen der Protagonistinnen und Protagonisten

Wie ich in meinem letzten Blogbeitrag geschrieben habe, liegt der Hauptfokus des Bat out of Hell-Musicals genau wie jener der Bat out of Hell-Alben von Meat Loaf und Jim Steinman nicht auf dem Handlungsbogen, der alle Lieder zusammenhalten soll (ob beabsichtigt oder unbeabsichtigt), sondern auf der Betrachtung von einzelnen Lebensabschnitten sich liebender Menschen – was die große Herausforderung mit sich gebracht hat, die Beziehungen zwischen den Charakteren in einem Musical möglichst authentisch und gleichzeitig intensiv zu porträtieren.
Und diese Schwierigkeit ist hier auf eine unkonventionelle Art unglaublich beeindruckend gemeistert worden!
Einerseits sicher deshalb, weil Andrew Polec (Strat) und Christina Bennington (Raven) und Rob Fowler (Falco) und Sharon Sexton (Sloane) genau diese Rollen schon seit über einem Jahr miteinander spielen; andererseits ist es aber auch die brillante Manier in der die facettenreichen Beziehungen dieser Charaktere dargestellt werden. Ich hatte diese Woche das Glück Simon Gordan (eine von Andrew Polecs Understudys zu sehen) und die Chemie zwischen ihm und Christina Bennington war nahezu genauso stark wie jene zwischen ihr und Andrew Polec.

Die Beziehung von Falco und Sloane ist einfacher zu beschreiben, als jene von Strat und Raven, da die zweitgenannte sich erst über den Lauf des Stücks hinweg entwickelt. Falco und Sloane haben schon mindestens 18 Jahre miteinander verbracht, kennen einige ihrer eigenen und des anderen Fehler und Schwächen und haben sich im Alltagstrott auseinandergelebt. All dies wird vermittelt durch kleine Gesten, Blicke, Stimmlagen und natürlich durch die für solche Situationen perfekten Liedtexte von Jim Steinman:

I can still see a vision of you
But it's out of my sight
You're always out of my sight
And I'll never get away from it 

Während uns Falco und Sloane die Seiten einer Beziehung zeigen mit denen wir alle bis zu einem gewissen Grad (aus anderen Geschichten) vertraut sind – vom Nachtrauern einer seit langer Zeit als abgestumpft angesehenen Leidenschaft in Paradise by the Dashboard light bis zum schmerzhaften, noch immer brennenden Verlangen für den anderen in What part of my Body hurts the most – bieten uns Strat und Raven einen völlig neuen Blick darauf, wie man Liebe das erste Mal entdecken kann.

Die Geschichte von Strat und Raven als Paar ist an sich nicht außergewöhnlich – und die Zeit, über die wir sie begleiten, relativ kurz – aber die Art wie die beiden miteinander umgehen, ist es. Als sie das erste Mal miteinander sprechen, in Making love out of nothing at all, gehen beide auffallend vorsichtig miteinander um: umkreisen sich, probieren eine neue Art der Annäherung aus und sind sich offenkundig unsicher. Obwohl sie schon seit einiger Zeit voneinander geträumt haben, fällt keiner der beiden dem anderen einfach in den Arm oder küsst ihn/sie ohne Zustimmung des Gegenübers. Sie machen sich sogar „Safe-Zones“ aus:
Raven: „Hair is safe, nothing transmits through hair but electricity. Shoulders are safe, nothing transmits through shoulders.“
Die glühende Leidenschaft der beiden knistert unter der Oberfläche und offenbart sich auf genauso traumähnliche und unkonventionelle Weise wie die gesamte Atmosphäre des Musicals.
Strat: „I would like your heart to beat as fast as mine, so that our bodies rhyme.“

Als sie sich das nächste Mal wiedersehen, bei For crying out loud, testen sie trotz des offensichtlichen Sinnestaumels, in dem sich beide befinden, noch immer ihre eigenen und des anderen Grenzen aus. Beide verhalten sich in dieser Szene so, wie zwei Menschen, die von unbändiger emotionaler Energie erfüllt sind, aber sich noch immer nicht sicher sind, wie nahe sie ihrem Gegenüber kommen sollen bzw. dürfen. Strat und Raven respektieren sich gegenseitig so sehr, dass sie explizit nach jener fast magischen Einigkeit streben, in der jeder Mensch selbst in einer intensiven Liebesbeziehung keinen Aspekt seines eigenen Individualismus verliert.
Diese unkonventionelle Art und Weise auf die zwei verliebte und zu jedem Zeitpunkt gänzlich gleichberechtige Menschen in Bat out of Hell porträtiert werden, dieses vorsichtige Herantasten an das Thema Liebe und die uneingeschränkte Entscheidungsfreiheit aller Beteiligten ist das Letzte, das ich von einem Rock'n'Roll-Musical, das seinen Anfang in den 70ern genommen hat, erwartet hatte.

Fazit

Bat out of Hell hat mich in einigen prägnanten Punkten enttäuscht: von der Choreographie des Tanzensembles über die – über weite Strecken – durchschnittliche Handlung, die einem dystopischen Jugendroman zu entstammen scheint, bis hin zu einer Menge Musical-Klischees.

Aber in Hinsicht auf den Einsatz von außergewöhnlicher Sprache, auf die gewagte Interpretationsfreiheit und darauf, dass der Hauptfokus des Musicals auf einer möglichst authentischen Darstellung von menschlichen Beziehungen liegt, hat es mir absolut den Boden unter den Füßen weggezogen. Auch ist die Größenordnung von West End-Musicals – überdimensionale Bühnenbilder, die bombastische Lautstärke der Musik und der unbeschreibliche Einsatz von Licht – noch immer nicht selbstverständlich für mich. Und für die übermenschlichen Leistung aller Darstellerinnen und Darsteller Jim Steinmans Songs – von denen nahezu jeder einzelne für sich schon eine 10-minütige Rockoper ist – so über die Bühne zu bringen, finde ich nicht einmal die passenden Worte.

Wer die Chance hat, sollte sich diese transzendente Liebesgeschichten-Sammlung mit Rock'n'Roll-Musik unbedingt dieses Jahr im Dominion Theatre anschauen!

Nachtrag:

Korrekterweise muss erwähnt werden, dass ich „nur“ ein paar Vorstellungen der PREVIEWS (die noch bis 19.4.2018 laufen) im Dominion Theatre gesehen habe – einige Details der Produktion könnten sich also in den nächsten Wochen noch verändern.

Bat out of Hell - The Musical I. Handlung, Vorlage, Sprache, Themen

HANDLUNG

[Achtung: der Spoiler-freie Review beginnt weiter unten bei Vorlage und Einflüsse!]

Pre-Show:
Auf jedem Sitz im Theater liegt eine vierseitige Ausgabe der Obsidian-Times, die die Zuschauerinnen und Zuschauer in die Welt von Bat out of Hell einführt: Obsidian, ein postapokalyptisches Manhattan.

1. Akt:

Strat erzählt von der Zeit bevor er mit 18 Jahren zu altern aufgehört hat: von den Erdbeben, die Manhattan aufs Meer hinausgetragen haben und von den Chemical Wars, die zur Mutation der Lost geführt haben (Love and death and the american guitar).
Strat und die Lost protestieren vor Falcos Wolkenkratzer gegen sein neues Wohnbauprojekt, das ihr Zuhause The Deep End zerstören würde. Strat trifft im Tumult auf Raven, Falcos Tochter, wird aber von Falco davon abgehalten ihr nachzulaufen (All revved up with no place to go/Wasted youth).
Nachdem sich die Lost ins Deep End zurückgezogen haben, beklagt sich Raven bei ihrem Vater darüber, dass er sie von den Lost fernhält, und dass sie das Gefühl hat, in einem Kloster aufgewachsen zu sein. Falco und Ravens Mutter, Sloane, hängen daraufhin missmutig ihren Gedanken über ihre verlorene Jugend nach (Who Needs the Young).
Strat kehrt zum Wolkenkratzer zurück, muss sich allerdings von Ravens Fenster fortstehlen, als Sloane auftaucht. Sloane, die nicht mehr allzu glücklich über ihre Beziehung mit Falco ist, übergibt Raven als frühes Geburtstagsgeschenk die alte Lederjacke ihres Vaters und meint, dass es für ihre Tochter noch nicht zu spät ist, ein aufregendes Leben mit erfüllten Träumen zu führen.
Währenddessen verzehrt sich Strat nach Raven und wird von den Lost dazu animiert ein erneutes Treffen zu planen (Out of the frying pan and into the fire). Einzig Strats Freund Tink, der Probleme hat, sich bei den Lost einzugliedern, da er selber noch nicht einmal 18 ist, ist nicht glücklich über Strats Leidenschaft, da er selbst etwas für Strat empfindet. Und auch Strats Freund Jagwire ist verliebt: in Zahara, die seine Liebe allerdings nicht erwidert (Two out of three ain't bad).
Am nächsten Tag findet Ravens Geburtstagsfeier mit ihren Eltern statt, bei der es zur Auseinandersetzung zwischen Raven und Falco kommt, nachdem Raven ihrem Vater ins Gesicht sagt, dass sie zum Deep End gehen möchte um Strat zu finden – woraufhin Falco schwört, Strat umzubringen, wenn er die beiden zusammen erwischen sollte. Sloane greift ein und erinnert Falco daran, was Leidenschaft für ihn einst bedeutet hat (Paradise by the Dashboard light).
In der folgenden Nacht, in der Raven wie jeden Abend ein Traum-unterdrückendes Schlafmittel bekommen hat, taucht Strat in ihrem Schlafzimmer auf und die beiden lernen sich kennen (Making love out of nothing at all). Sie werden allerdings von Zahara, die undercover für Falco arbeitet, davor gewarnt, dass Falco ist auf dem Weg zu Ravens Schlafzimmer ist.
Strat schafft es, mit Raven zu fliehen, während viele Mitglieder der Lost, die ihnen zur Flucht verhelfen, gefangengenommen werden. Raven entschließt sich allerdings nicht mit Strat zu gehen, da ihr die Drohung ihres Vaters, Strat zu töten, noch in den Ohren klingt. Strat verunglückt daraufhin mit seinem Motorrad (Bat out of Hell).

2. Akt:
Der Großteil der Lost wurde von Falco eingesperrt und gefoltert (In the land of the pig the butcher is king), als Rache für Strats Dreistigkeit – selbst noch nachdem Zahara mit Strats blutigem Shirt seinen tödlichen Unfall bewiesen hat. Raven, die sich bewusst ist, dass alles ihre Schuld ist, trauert daraufhin um Strat (Heaven can wait). Während die Lost im Gefängnis ihre zerstörten Leben beklagen, verhilft ihnen Sloane zur Flucht (Objects in the rear view mirror may appear closer than they are).
Zahara bringt Raven zu Strat, den sie mit Blutspenden (u.a. auch von Raven) am Leben erhalten konnte. Strat ist noch sehr schwach und am Boden zerstört, weil er weite Teile von Obsidian von Zaharas Versteck aus brennen sieht. Gegenseitig können sich Raven und Strat aber forthin aufbauen (For crying out loud).
Zahara verlässt nun endgültig den Wolkenkratzer, da Falco mittlerweile weiß, dass sie zu den Lost gehört, und nimmt Sloane, die erkannt hat, dass Falco außer Kontrolle ist, mit ins Deep End.
Tink, der über Strats Überleben informiert war und Zahara bei dessen Verpflegung geholfen hat, ist wütend auf Raven, weil diese in seinen Augen die Schuld an der ganzen Situation trägt. Er bringt aber die freigelassenen Lost zu Strat, damit alle ihr Wiedersehen feiern können (You took the words right out of my mouth).
In der Nacht erzählt Raven Strat, dass sie endlich zu träumen begonnen hat, und dass sie nun von einer endlosen Prozession von Spiegeln träumt, die sie bald auffressen werden. Tink fleht Strat vergebens an, Raven fortzuschicken, damit wieder alles so sein kann wie vorher, kann jedoch nicht zu ihm durchdringen (Not allowed to love).
Im Wolkenkratzer gestehen sich ein einsamer Falco und Sloane, die dort kurz vorbeikommt, um ihre Sachen zu packen, ihr noch immer füreinander empfundenes Verlangen ein (What part of my Body hurts the most).
Wenig später taucht Tink im Wolkenkratzer auf, um Falco einen Deal anzubieten: Die Rückgabe von Raven im Austausch gegen Frieden mit den Lost – und das Versprechen, dass niemandem bei der Übergabe im Deep End etwas geschehen wird, worauf Falco einwilligt.
Währenddessen wird im Deep End das Wiedersehen und der Bund von Raven und Strat gefeiert (Dead ringer for love). Die Feier wird von der Ankunft Falcos und Tinks unterbrochen. In einem Handgemenge erschießt Falco unabsichtlich Tink und flieht. Strat stößt daraufhin Raven von sich und trauert mit den Lost um Tink (Rock and roll dreams come through).
6 Monate später:
Sloane erzählt, wie sie nach den Ereignissen im Deep End tagelang ziellos umherwanderte und vergeblich versuchte ihre Jugend in ihrem Kopf wiederzufinden, jedoch erkennen musste, dass diese dort nie gewesen ist.
Strat kehrt wenig später zu Raven zurück, während auch Sloane Falco vergibt (It's all coming back to me now). Raven, die nun allerdings weiß, dass sie nicht wie Strat bei 18 Jahren stehen bleiben wird, sondern ganz normal altert, lässt ihn erst nach einiger harter Überzeugungsarbeit in ihr Leben zurückkehren – genauso wie Zahara Jagwire und Sloane Falco, der sich ins Deep End begeben hat, um dort mit Sloane zusammen sein zu können (I'd do anything for love).

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Vorlage & Einflüsse

In meinem CD-Review der Bat out of Hell-Cast CD habe ich schon ein wenig über Komponist Jim Steinmans Musical mit dem Titel Neverland geschrieben, das er bereits in den 70ern auf die Bühne bringen wollte. Aber selbst wenn es ihm letztendlich (u.a.) aufgrund von Urheberrechten verwehrt war, seine originale Vision zu produzieren, so sind die Parallelen von Bat out of Hell zu Peter Pan doch unübersehbar:

Die Lost im Deep End sind J.M. Barries Lost Boys im Neverland (Nimmerland), Tink ist Tinker Bell, Falcos Kugel ist der von Hook vergiftete Kuchen, und Falco landet am Schluss des Stückes sogar im auf der Bühne befindlichen Mini-Pool, der wohl das Meer, in das Hook am Ende von Peter Pan stürzt, symbolisieren soll.

Was für Bat out of Hell zum Glück nicht übernommen worden ist, sind die im 19. Jahrhundert festgefahrenen Ansichten über die Verteilung der Geschlechterrollen von Peter Pan-Autor J.M. Barrie und die Charakterzüge der Protagonisten: Auch wenn Strat und Raven ein bisschen in die Romeo & Julia-Kategorie fallen („wir lieben uns und das ist unser einziger Charakterzug“) so kann ich mit der kleinen Auswahl an Charaktereigenschaften, die wir von ihnen kennen lernen, doch weit mehr anfangen als mit der Überheblichkeit, Dreistigkeit und Starrköpfigkeit Peter Pans und der einzigen Funktion Wendys: der Bezauberung aller männlichen Wesen in Neverland.

Einen starken Einfluss auf die Grundzüge der Hauptcharaktere in Bat out of Hell hatte in meinen Augen eindeutig das Musical We will rock you: Strat ist wie Galileo ein bisschen eigentümlich und liebt es poetische Phrasen zu rezitieren, auf die die Personen in seinem Umfeld nur in Ausnahmefällen eingehen. Allerdings macht seine Eigentümlichkeit Strat nicht wie Galileo zum Außenseiter – seine Freunde akzeptieren ihn so wie er ist. Während Galileo und Scaramouche in We will rock you nur das Ende eines Extrems waren, damit sie das Klischee der Rebellen vollständig erfüllen konnten, sind Strat und Raven in erster Linie einfach menschlich: wie Galileo und Scaramouche voll von unbändiger Energie und verrückten Träumen, aber kein Hollywood-Dartboard auf dem alle Pfeile in den Klischee-Feldern „Weirdo“ und „Rebell“ steckengeblieben sind.

Raven: „Tell me about you.“

Strat: „Do you see those stars? They burn. If they didn't burn, we wouldn't be able to see them. They have to use themselves as fuel. They have to burn themselves up or risk never being seen. I burn like one of those stars.“

Sprache & Philosophie

Wahnsinnig faszinierend am Bat out of Hell-Musical ist in erster Linie die Sprache in der seine gesprochenen Texte gehalten sind.

In vielen Szenen ist sie – ganz nebenbei und völlig ungezwungen – für ein Rock-Musical beeindruckend poetisch:

The sea is watching the sky
The sky is watching the sea
Nothing ever changes
The sea is whipping the sky
The sky is whipping the sea
Nothing will ever happen

...und in anderen Szenen fällt sie dagegen völlig aus dem Schema der „schönen Bühnensprache“ von der wir es im Musical gewohnt sind, dass sie in verständlichen Sätzen gesprochen wird und uns wie ein auf Hochglanz polierter Hollywood-Film klar und deutlich die Geschichte des Stücks vermittelt.

Nicht so bei Bat out of Hell: In diesem Musical verlaufen viele Konversationen (meist jene, in denen eine leicht betrunkene Sloane vorkommt) wie man sie aus dem alltäglichen Leben kennt: mit Pausen zum Nachdenken, Charakteren, die sich gegenseitig ins Wort fallen, unvollendeten Sätzen, förmlichen Fragen, die unbeantwortet bleiben etc.

Was in den ersten Szenen für das West End-Musicalpublikum ungewohnt bzw. (ver-) störend wirken mag, sorgt mit den eingestreuten poetischen Sätzen und einigen mysteriösen Erzählungen, die nie erklärt werden (wie z.B. Ravens Traum, der wohl ihre unbewusste Angst vor dem Altern symbolisiert) für eine rätselhafte, traumähnliche Atmosphäre, die das ganze Stück in einzigartiger Manier einhüllt und es somit durch eine Menge Interpretationsfreiheit erfolgreich von hunderten in klar erkennbarer, bekannter Form gehaltenen Bühnenstücke abhebt.

Mit der Sprache von Bat out of Hell ist auch die Philosophie dieses Musicals verknüpft, die mich erstaunlicherweise oftmals an jene des Man of La Mancha-Musicals erinnert hat: Entgegen meiner Erwartung ist das Bat out of Hell-Musical trotz seiner musikalischen Verhaftung im letzten Jahrhundert nicht durchdrungen von einer Rock 'n' Roll Philosophie aus einer vergangenen Ära, sondern es spricht in vielen Szenen auf zeitlose Art und Weise vorrangig davon, in einer menschlichen Gesellschaft das moralisch Richtige zu tun und die Freiheiten aller Mitmenschen zu respektieren.

Themen & Struktur

Der Fokus liegt bei Bat out of Hell nicht auf der Geschichte, die erzählt wird, sondern darauf, wie Geschichten erzählt werden können: Es ging Jim Steinman hier eindeutig um dieselben Themen, zu denen er seine Lieder – ergo: seine „Manifeste“– verfasst hat. Es geht in erster Linie um Beziehungen zwischen den Menschen, welche Formen diese annehmen können und wie diese sich im Lauf der Zeit verändern.

Wenn man Bat out of Hell auf seine prägnanteste Grundstruktur reduzieren möchte, dann könnte man es auch als Love actually des Musicals bezeichnen, da es genau wie dieser Film einfach eine Reihe von (un-) zusammenhängenden Liebesgeschichten porträtiert.

Aber was Bat out of Hell von den abertausenden durchschnittlichen Liebesgeschichten abhebt, ist, dass es keine Lösung aller Probleme am Ende des Stückes gibt. Zugegeben, es stehen alle Liebespaare Hand in Hand auf der Bühne und singen gemeinsam I'd do anything for love; aber genau den Inhalt dieses Liedes widerspiegelnd, in dem über 10 Minuten hinweg immer wieder neue mögliche Fallen einer Beziehung aufgezeigt werden – und das somit thematisch gesehen endlos ist –, sind sich auch unsere Protagonisten in Bezug auf viele Themen noch immer uneins; geben keine „I will love you forever“-Liebeserklärung ab und steigen sicher nicht in den Himmel des klassischen Happy Endings auf.
Die einzige explizite Aussage über die Zukunft kommt von Strat, die allerdings auch nur lautet: „Raven, I want to spend my life with you. I don't care how old you are.“ – und nichts verspricht.

Das Musical Bat out of Hell ermöglicht uns also genau wie Meat Loaf und Jim Steinmans Bat out of Hell-Alben (u.a.) nur einen Blick durchs Kaleidoskop auf das Thema Liebe: Da gibt es vor allem Leidenschaft und Sehnsucht, aber auch Verzweiflung und ab und zu das Verlangen in die entgegengesetzte Richtung zu rennen.
Bat out of Hell – The Musical hat deshalb leider etwas mit der klassischen Geschichtenstruktur, die ihm verpasst wurde, zu kämpfen: So sehr die Urheber auch versucht haben, all diese Splitter eines menschlichen Lebens mit der Geschichte von Peter Pan zusammenzuhalten – am Ende wird man als Zuschauer doch mit einer Menge loser Fäden und aufwühlender Emotionen zurückgelassen, was für die Katharsis nicht sehr förderlich ist.
Aber wenn uns das Zusammenleben mit anderen Menschen nicht immer zur Katharsis führt, warum sollte es dann einem Musical gelingen, in dem es genau um ebenjenes Thema geht?

But it was long ago and it was far away
Oh god, it seems so very far
And if life is just a highway than the soul is just a car

Um die eigentliche Exekution all dieser Ideen in Bat out of Hell – The Musical geht es in Pro & Contra – Dominion Theatre London.

CD Review Bat out of Hell The Musical – Jim Steinman

The Beat Is Yours Forever

Ich habe gestern endlich meine Bat out of Hell - The Musical-CD bekommen, die schon seit Sommer auf dem internationalen Markt ist, in Europa bis heute aber leider nur von sehr exklusiven Musikhändlern vertrieben wird.

Aber das Warten und sogar der hohe Preis haben sich gelohnt, vor allem weil den Doppel-CDs ein traumhaft schönes Booklet mit den gesamten Lyrics beiliegt, was bei Musical-CDs heutzutage leider nur noch sehr selten vorkommt.

Bat out of Hell - The Musical ist das, was das We will rock you Musical hätte sein können, wenn sich Zweitgenanntes selbst ein bisschen ernster genommen hätte.

We will rock you lässt sich hier als ein sehr passender Vergleich heranziehen, weil die Musik dieser beiden Musicals derselben Ära und demselben Genre entstammt. Aber während Drehbuchautor Ben Elton die Musik von Queen in We will rock you in das Genre eingeführt hat, das ihm am vertrautesten ist - der Komödie -, hat Rock-Urgestein Jim Steinman bei allen Bat out of Hell-Alben seit 1977 das Steuer nie freiwillig aus der Hand gegeben und ist seinen Idealen bis heute treu geblieben.
Bat out of Hell - The Musical ist Jim Steinmans erste erfolgreiche Realisierung seine Musicalidee aus dem Jahr 1977: Neverland 

Peter Pan has always been about my favorite story and I've always looked at it from the perspective that it's a great rock and roll myth because it's about—when you get right down to it—it's about a gang of lost boys who never grow up, who are going to be young forever and that's about as perfect an image for rock'n'roll as I can think of.  

Das Skript des neuen Musicals sowie alle Texte stammen von Steinman selbst, weshalb die Musik nicht wie jene von We will rock you in eine weit von unserer Realität entfernten Welt versetzt worden ist, sondern - trotz ihrer dystopischen Grundidee - tief in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts verwurzelt ist. Die Rock'n'Roll-Lebensphilosophie der 70er, 80er und teilweise auch der 90er bilden die Grundlagen von Bat out of Hell - The Musical - man kann sie jede Sekunde spüren.
Zusätzlich dazu, dass Steinman dem Rockergenre des vergangenen Jahrhunderts nie entwachsen ist, war bei der Entstehung dieses Musicals sicherlich auch der Umstand hilfreich, dass das originale Bat out of Hell-Album aus 1977 bereits einen kompletten Songzyklus, der eine zusammenhängende Geschichte erzählt, enthalten hat.
Interessant ist, dass das Musical selbst mit dem letzten Lied des originalen Albums beginnt - die Geschichte des jungen verunglückten Bikers, der sich im Sterben liegend an sein Leben erinnert, wird also nicht wie bisher in Rückblenden erzählt, sondern in chronologischer Reihenfolge.

Welche neuen Storyelemente das Musical bedient, die bisher nicht in Jim Steinmans beiden Bat out of Hell-Alben erzählt worden sind, weiß ich noch nicht (darüber werde ich erst mehr erfahren, wenn die bereits angekündigte Wiederaufnahme des Musicals in London 2018 stattfinden wird). Zusätzlich zu Liedern aus den ersten beiden Bat out of Hell-Zyklen sind dem Musical auch eine kleine Auswahl von Songs aus dem dritten Bat out of Hell-Album (2006) beigefügt worden, bei dem Steinman nicht mehr als Produzent agiert hat.
Sehr vorhersehbar war, dass I would do anything for love die finale Rock-Symphonie bildet, die von allen Darstellern gemeinsam gesungen wird. Es ist also gut möglich, dass sie wie Bohemian Rhapsody in We will rock you bereits außerhalb des Stücks steht und ‘nur noch’ als Zugabe gesungen wird.

Die Texte aller Lieder sind zu 95% original übernommen worden.
Auffallend sind bei allen Bat out of Hell - The Musical Liedern vorrangig die deutlich angehobene Frauenquote, und dass ein volles Orchester die obligatorische Rockband unterstützt.

Die Besetzung des Musicals ist phänomenal gewählt: An der Spitze einer Riege von außergewöhnlichen Stimmtalenten stehen sich Andrew Polec als Wasted Youth und Rob Fowler als ein Vertreter der Who needs the Young?-Generation gegenüber.
Wer sich ein Bild von diesen beiden Ausnahmetalenten verschaffen will, dem empfehle ich einerseits natürlich dem Titellied, aber auch unbedingt In the land of the pig the butcher is king seine Aufmerksamkeit zu schenken.

Gemeinsamkeiten mit meinem Lieblingsmusical Tanz der Vampire (Musik ebenfalls von Steinman) hat Bat out of Hell - The Musical folgende: Die Melodie von Who needs the Young aus dem 1. Akt ist das Hauptthema von Die Gruft und im 2. Akt kommt Objects in the rear view mirror - ergo: Die unstillbare Gier - in seiner Gesamtheit vor.

Genau wie Tanz der Vampire ist das gesamte Musical zum Bersten gefüllt mit Energie, die bei diesen rockigen Liedern auf Anhieb überspringt. Jim Steinman-Musicals enthalten pures Leben für mich!

Besorgt euch diese Musical-Aufnahme, liebe Jim Steinman-Fans, und haltet die Daumen dafür gedrückt, dass das Musical bald wieder zurück nach Europa kommt.

Think of how we lay down together

We'd be listening to the radio so loud and so strong
Every golden nugget coming like a gift of the gods
Someone must have blessed us
When he gave us those songs

Update: Wer mehr über das Musical erfahren möchte, kann bei Handlung Vorlage, Sprache, Themen und bei Pro & Contra, Dominion Theatre London weiterlesen.

Jim Steinman-Quote: jimsteinman.wikia.com/wiki/Neverland